“Gatsby”: visual exuberante, ritmo frenético e narrativa nem um pouco sutil

 

O diretor Baz Luhrmann continua mantendo sua receita de sempre em “O Grande Gatsby” (The Great Gatsby, 2012): visual exuberante, ritmo frenético, fortes emoções e músicas que fogem do contexto histórico porém combinam com o tom do filme. O filme, que estreou sexta em todo o país depois de uma recepção morna em Cannes, é uma espécie de radicalização de seu estilo, agora potencializado pelo uso dos efeitos visuais em 3D. A narrativa, que não é nem um pouco sutil, nada tem a ver com o espírito dos EUA tradicional criado por F. Scott Fitzgerald (1896-1940).

A adaptação de Baz Luhrmann é a terceira e difere radicalmente de sua antecessora, o filme de 1974 estrelado por Robert Redford e Mia Farrow. O diretor mostra um Jack Clayton frio e um Gatsby misterioso e as vezes desequilibrado. Na verdade, ele não deseja Daisy e sim o que representa: o dinheiro e o poder. Mas Daisy, assim como Gatsby, é só uma imagem vazia.

Em termos de narrativa, ambos os filmes são fiéis, até porque não há qualquer dificuldade na adaptação deste romance. A história é narrada por Nick Carraway, um jovem que acabou de sair da universidade, que tem um emprego em Manhattan e um pequeno chalé em West Egg, onde moram os novos ricos de Long Island. Seu vizinho, Jay Gatsby, é um homem misterioso que dá festas exorbitantes com o objetivo de reencontrar Daisy Buchanan, prima de Nick, que ele amou e perdeu anos atrás. Daisy é casada com o milionário Tom Buchanan, e vive em East Egg, exatamente do lado oposto da baía, onde está o dinheiro tradicional.

Luhrmann passa muito bem a imagem do contexto histórico dos anos 20: Nova Iorque fervilhando em ascensão e as festas de Gatsby. A trilha sonora acerta em cheio (e é talvez a melhor coisa do filme): a estética de opulência do Hip Hop e as batidas de House Music combinam perfeitamente com a história sendo contada e adicionam um toque de ironia.

O filme não passa ao espectador o romance de Fitzgerald, o “sonho americano”. O que o cineasta passa é um lado depressivo e vazio dentro de uma história de amor, que dá errado pois o desejo de Gatsby é demais para Daisy. É quase um remake de Romeu + Julieta, com sentimentos a flor da pele e final trágico.

Além de transformar o filme em um ode à esperança e à superação, Luhrmann retira qualquer subtexto e sutileza, tudo é muito bem explicado pela narração em off de Nick Carraway, todos os sentimentos e pensamentos dos personagens. Por outro lado, os atores dão um show de interpretação. Daisy é frágil e ao mesmo tempo é falsa e sedutora. Leonardo DiCaprio mostra certa dureza em seu Gatsby, no esforço de conter um nervosismo e no controle de quem é, no fundo, uma fraude. Tobey Maguire está mais morno, só servindo como narrador, testemunha e pombo correio. Coitado, é tanta confusão que só na tarde do seu aniversário se lembra da importante data.

Alguns criticam a velocidade dos acontecimentos, mas eu particularmente gosto desse ritmo frenético, que funcionou muito bem inclusive em “Moulin Rouge”. O ponto mais fraco, acredito eu, seria o amontoado de clichês e sequências óbvias, como a narrativa das escritas de Nick acompanhadas das palavras escritas na tela. Esse sim é um aspecto que incomoda, mas, no geral, eu daria nota 7,5 para o filme.

Confira o trailer:

CRÍTICA: Depois da Terra

É fato que Hollywood já se colocou contra o diretor M. Night Shyamalan há muito tempo. Desde Fim dos Tempos (2008), o nome de Shyamalan já é associado a más produções. Tal fato se confirmou quando o diretor entregou O Último Mestre do Ar (2010), uma derrapada em sua carreira. Eis que em Depois da Terra, filme que dirige e roteiriza ao lado de Gary Whitta (O Livro de Eli), acontece outra escorregada.

A trama acompanha a vida dos seres humanos no planeta Nova Prime, num tempo futuro no qual a Terra já não dispõe das condições mínimas para a sobrevivência. Tudo na Terra evoluiu para matar os seres humanos. O jovem Kitai Raige (Jaden Smith) e seu lendário pai, Cypher (Will Smith), embarcam juntos para cumprir uma missão, e após serem atingidos por uma chuva de meteoros, a nave se espatifa, forçando um pouso no planeta Terra.

À partir daí, pai e filho, únicos sobreviventes da tripulação, terão que lutar contra os perigos do planeta transformado. Enquanto o pai é obrigado a permanecer em uma das duas partes da nave despedaçada devido a ferimentos, cabe ao filho a tarefa de andar 100km no perigoso planeta em busca do sinalizador que deve salvar suas vidas.

Acontece pai e filho na vida real não funcionam juntos na tela. Os conflitos entre os dois personagens são afetados por uma má atuação por parte do Jaden Smith, que parece sempre ter um pé atrás em suas cenas. Will é posto em segundo plano durante todo o filme, e sua boa performance é reduzida, deixando o má desempenho do filho sobressair. A sintonia em que se encontravam Will e Jaden no aclamado À Procura da Felicidade (2006) não existe mais aqui.

Depois da Terra torna-se uma produção de múltiplos defeitos. A começar pela montagem, que já na abertura do filme sente a necessidade de escancarar a queda da nave espacial que coloca pai e filho em perigo, somente para depois retroceder a história em três dias e contar como ambos os personagens chegaram aquela situação. Talvez na tentativa de transmitir a ideia de que haverá ação em algum momento do filme, já que quando a narrativa se inicia acontece uma lenta apresentação de como vivem os personagens em Nova Prime.

A direção de arte peca bastante, principalmente na construção dos cenários que fazem parte do novo planeta onde vivem os seres humanos. O figurino também se mostra incoerente: enquanto alguns usam roupas extremamente futuristas, outros personagens, como a mãe Faia Raige (Sophie Okonedo) caminham utilizando batas que remetem a figurinos do planeta Asgard, de Thor.

O ritmo do filme cai, mesmo com tantas cenas de ação, à medida que a trilha sonora de James Newton Howard sai de sincronia com a emoção das imagens. Uma vez no planeta Terra à procura do sinalizador, Kitai enfrenta uma jornada perigosa durante vários dias, sempre se deparando com perigosos animais e situações climáticas. A trilha caminha contra o próprio filme, reduzindo o  impacto que tais cenas teriam no espectador se acompanhassem a mesma euforia pela qual passa o personagem.

O ponto positivo que se destaca em Depois da Terra é o trabalho bem executado do departamento de efeitos visuais, principalmente na construção da nova Terra. Infelizmente Hollywood ainda precisa aprender que nem só de efeitos visuais se faz um filme.

Nota: 5/10

Terapia de risco: Soderbergh cria roteiro inteligente que desestabiliza o espectador

Antes de mais nada, podem ler o texto sem medo de spoilers!

Nos cinemas desde sexta-feira passada, Terapia de Risco (Side Effects, EUA, 2013) é um thriller surpreendente, com duas partes bem distintas: a primeira bem previsível e a segunda que mostra uma reviravolta completa da trama, chegando a um final inteligente e nada previsível. Eu, pelo menos, me senti até desconcertada com o roteiro. E, acreditem, pra mim isso é um elogio. Mas, não chega a ser um clássico “mind fuck”...

O diretor Steven Soderbergh conseguiu construir uma narrativa complexa que mostra a ambiguidade moral que desestabiliza o espectador, prendendo a sua atenção. A princípio (e até a primeira metade) temos a impressão de estarmos assistindo a um “protesto” contra a indústria farmacêutica e a prescrição de medicamentos para o tratamento de problemas psiquiátricos.

Até aí, parece que já vimos isso em outros filmes. Mas, do nada, heróis e vilões trocam seus papéis e assumem nuances insuspeitadas de personalidade e a natural ambiguidade dos seres humanos. O resultado é, literalmente, uma desorientação do espectador, que não se torna refém de uma lógica pré-determinada, tão comum no cinema narrativo hollywoodiano (acho que em questão de roteiros inteligentes e inovadores, os indianos e japoneses são imbatíveis).

O roteiro, assinado por Scott Z. Burns, mostra a história de Emily Hawkins (Rooney Mara, MARAVILHOSA), uma moça que aparenta ter sérios problemas psiquiátricos que se agravam com o retorno do marido (Channing Tatum, apagadinho como sempre), recém-saído da prisão. Após provocar (propositalmente) um acidente na garagem do prédio em que vive, a garota é encaminhada ao Dr. Jonathan Banks (Jude Law, em boa performance), um ambicioso psiquiatra que resolve dar uma droga experimental para o controle da ansiedade.

O psiquiatra está envolvido com os interesses da indústria farmacêutica, pois está conduzindo um estudo sobre essa nova droga e ganhando muito para tal. Emily, aparentemente, responde bem ao tratamento, mas uma tragédia, supostamente induzida pelo uso da droga (daí o título original “efeitos colaterais”) levará todos os envolvidos no seu tratamento a um confronto na justiça e imprensa, causando desastrosas consequências sobre a vida do Dr. Banks.

Mas o roteiro, mais uma vez, dá o pulo do gato, sendo a batalha judicial apenas uma transição para o outro estágio da trama. É aí que entra em cena a antiga psiquiatra de Emily (vivida por Catherine Zeta-Jones), personagem crucial para o desenrolar da trama ao redor dos personagens principais e para deixar mais claro para o espectador quem é o mocinho ou o herói nesse contexto nebuloso.

A obra cinematográfica de Soderbergh é, ao mesmo tempo, complexa em sua simplicidade e vice-versa, como se pode verificar na sequência final do filme. Um feito extraordinário que só se verifica entre realizadores que sabem aprender com os erros e acertos da própria carreira.

Pra quem não lembra, o diretor consagrou-se no Festival de Cannes, em 1989, com Sexo, Mentiras e Videotapes (Sex, Lies and Videotape). Após este feito, Soderbergh teve uma carreira tortuosa, marcada por filmes que ora alcançaram alguma repercussão, ora foram totalmente ignorados pelo público, sobretudo obras experimentais como o criticado Full Frontal (Full Forntal, 2002), chegando afinal à consagração maior com as indicações ao Oscar por Erin Brokovick: uma mulher de Talento (Erin Brockovich, 2000) e Traffic: ninguém sai limpo (Traffic, 2000) – este último rendendo-lhe o Oscar de melhor direção.

O grande público em geral desconhece que ele costuma fazer experiências técnicas e estéticas inovadoras em determinados filmes para aplicá-las em obras posteriores. Daí a sensação de semelhança entre Terapia de risco e Contágio (Contagion,  2011) e Magic Mike (Magic Mike, 2012). Assistindo a obras magistrais como Terapia de risco, dá para compreender que certos “erros” narrativos, às vezes , fazem todo o sentido.

Confira o trailer:

Visual de “Reino Escondido” encanta a plateia

Depois de encantar plateias do mundo inteiro com os longas de animação das franquias “A Era do Gelo” e “Rio”, a Blue Sky Studios maravilha a todos mais uma vez com “Reino Escondido” (Epic, 2013). O nome de Chris Wedge (diretor de “A Era do Gelo” ao lado do brasileiro Carlos Saldanha) já aparecia para o público na pré-produção do filme. Porém, há nos créditos, um outro nome: William Joyce.  É dele o livro “The Leaf Men and the Brave Good Bugs”, que serviu de inspiração para a trama. Joyce ganhou em 2012 o Oscar de Melhor Curta-Metragem Animado, por “The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore”.

A história começa contando o relacionamento difícil e distante que o professor Bomba e sua filha Maria Catarina (M.C.) têm após a perda da sua mãe. O professor, considerado por todos um lunático desajeitado, na verdade é um pesquisador que vive atrás de homens pequeninos da Floresta. Obviamente, MC não acredita nele até que diminui de tamanho magicamente e passa a conviver com eles.

Enquanto isso, na Floresta, está acontecendo um verdadeiro rebuliço. Bem no dia em que a Rainha da Floresta Dara está prestes a escolher um botão de rosa e fazê-lo florescer, que é o que dá vida à Floresta, o vilão Mandrake, que só gosta de devastação, faz de tudo para que o botão nasça na escuridão.

Para impedir que isso aconteça, os Homens-Folha, liderado pelo guerreiro Ronin, o rebelde Nod e M.C. vão lutar contra Mandrake e seus terríveis súditos. Ela, além de viver uma grande aventura e romance, conseguiu de quebra se acertar com o pai no fim das contas. Mas, o desenrolar do longa é cativante e prende a atenção.

Por falar em cativante, a Blue Sky Studios adora criar personagens que nos fazem rir e se apaixonar. O esquilo dente de sabre Scrat, de “A Era do Gelo”, é tão popular que acabou se tornando o mascote do estúdio. Ele também estrelou dois curtas-metragens próprios, os engraçadíssimos “Gone Nutty” (2003) e “No Time for Nutts” (2006).

No filme Rio, quem não adorou os cantantes tucano e canário, Rafael e Nico, respectivamente? Em “Reino Escondido” não é diferente. A lesma Mub e o caracol Grub são desengonçados porém muito fofos. As risadas que damos durate o filme vem 90% desses dois personagens. Os outros 10% fica por conta das falas em câmera lenta dos humanos, já que os homens pequeninos, assim como os insetos, vivem em uma velocidade muito acelerada e são igualmente ariscos.

Assim como em “Rio”, o roteiro mistura realidade e fantasia, humanos e animais, sentimentos e lições morais. As pessoas se emocionam com cenas que mesclam comédia e drama.

A qualidade gráfica do filme é absurda. As cores intensas, que se sobressaem ainda mais por ser feito em CGI 3D, surpreendem adultos e crianças. Os traços das folhagens, penas e pelos, além dos movimentos da água, têm texturas quase reais.

Portanto, vale a pena levar ao cinema seus filhos, sobrinhos, primos... Enfim, a família toda para conferir essa aventura! E mais: de quebra, assistimos ao teaser de “Rio 2”! Podemos esperar mais aventuras de Blu e Jade agora com seus filhotinhos. Pena que teremos que esperar até 2014...

Pra quem ficou curioso, veja o trailer abaixo:

                       

Conan vs Rambo, quem vence?? "Alvo Duplo" surpreende e muito!

Um mercenário NUNCA se aposenta!

Este é o slogan do novo filme de  Sylvester Stallone, "Bullet to the Head",  vulgarmente nomeado de "Alvo Duplo" aqui no Brasil.

É um filme sobre vingança? Um homem que faz de tudo apra salvar sua filha da mão de criminosos? Por que eu já vi isso em "Comando para Matar" e "Busca Implacável".

Não, seu imbécil! É muito mais que isso. 

O filme realmente é sobre vingança, mas com um algo a mais, um Stallone renovado, sem a carga que vinha trazendo nos últimos filmes. 

Sly (Stallone) é James "Jimmy" Bobo, um criminoso, que atua como assassino de aluguel e que após um último serviço digamos que mal feito, é caçado por alguns bandidos de menor porte... Oi?

É sério! Não querendo dar Spoiler, mas no inicio do filme e como podemos ver no próprio trailer, Jimmy é contratado para matar um cara, só que rola uma certa parada durante o evento e as coisas meio que seguem para outro rumo.

E ai que entra o policial, Taylor Kwon (Sung Kang - Velozes e Furiosos - Desafio em Tóquio), jovem detetive que tenta desmantelar um grupo de criminosos e que acaba sendo uma espécie de sidekick do Stallone no filme, e olha que essa história de sidekick acaba se tornando uma piadinha bem inteligente e muito bem posta no filme.

Com o desenrolar da trama, podemos ver o quanto o diretor Walter Hill (48 Horas Parte 2) foi feliz na mixagem dos seus ingredientes para uma boa trama, que teria sido mais do mesmo ou uma merda como foi a volta do Arnold as telas com o absurdo, porém divertido "O último Desafio". Walter, simplesmente  adaptou uma história muito boa e selvagem do quadrinho "Bullet to the Head", transpareceu a parte violenta sem tornar absurda, mudou um pouco o dialogo, tornando- o menos monótono e mais realista que um quadrinho. Referencias que nós fãs de Stallone, vamos nos divertir em ver, como a passagem em um momento do filme, em que mostra as inúmeras vezes que em Jimmy foi preso, podemos ver fotos clássicas de Stallone em diversos momentos bem importantes e marcantes em sua carreira, ou até mesmo as fotos de Christian Slater, que estão presentes em sua página do IMDB. rs

Sobre os vilões, rola uma boa transição e jogos de poder entre eles no filme. Jason Momoa foi o trunfo deste título. Nosso eterno Khal Drogo, deu um espetáculo como vilão, extremamente violento, arrogante e  frio, piorém, aquele vilão que não da para odiar. Inclusive, a luta dele com Stallone, entrou para meu top 10 de lutas corpo-a-corpo mais fodonas da história do cinema. 

Não posso relatar muita coisa a respeito disso, senão darei spoiler, mas com uma conclusão sensacional em cada arco da história e uma boa reviravolta na trama, Alvo Duplo se mostrou um bom filme de ação. Mais maduro, bem narrado, bem amarrado e bem fechado.

  

No fim das contas, só me resta dar uma nota 7,0 para este filme, não é o merecedor de uma nota 10, mas não pelo fato de ser ruim ou caisa que o valha, mas pelo fato de ser um filme de ação e nada muito "Origem" ou "Batman O Cavaleiro das Trevas Ressurge".

Agora, corre para o cinema, é vá ver este excelente filme de ação!!

Hoje estreia “Oz – Mágico e Poderoso” e o nós já vimos!

Confesso que fui ver esse filme meio com o pé atrás, afinal de contas, eu nunca quis saber a origem do Mágico de Oz. Sempre achei o filme e o livro tão redondinhos que acho não tinha necessidade. Quem me conhece sabe que avessa a reboots, remakes e afins. E para completar o filme produzido pela Disney tem aquela pinta de Alice nos País das Maravilhas de Tim Burton , que eu achei uma decepção. Ou seja, “Oz – Mágico e Poderoso” tinha tudo para ser um típico não vi, não gostei. Mas não é que o filme é bom? Curti muito.

Mas não se engane,  “Oz Mágico e Poderoso” é um filme infantil, daquelas bem singelas cheias de moral e boas lições.  O filme nos conta quem é Oz e como ele virou o tal Mágico de Oz, do clássico de de L. Frank Baum. Aqui não tem Dorothy, nem sapatinhos de rubi (na história original eram de prata), tem sim uma bela homenagem ao filme de 1939 e uma história nova que surpreendentemente não compromete a original, apesar da pegadinha jurídica que “Oz – Mágico e Poderoso” teve de driblar, pois, contratualmente, não poderia mencionar O Mágico de Oz do cinema - o livro Baum está em domínio público mas o longa de 1939 é de propriedade da Warner.

Talvez o grande mérito de “Oz – Mágico e Poderoso” seja a coragem de enfiar os dois pés na jaca da fantasia, o filme é visualmente exuberante e o texto ora exagerado ora ingênuo dão bem um tom infantil a trama,  que tem desde de fofos anões cantantes a fadas com varinha de condão com estrela brilhante na ponta. Por se tratar de “O Mágico de Oz” a homenagem não poderia ter sido melhor. O filme inteiro remete trechos do filme de 1939. Desde o Leão até os truques tecnológicos usados pelo personagem central somos transportados à memória do filme que o originou.

"Oz o Grande e o Poderoso" desenrola-se com Oscar Diggs  fugindo de uma confusão que ele mesmo provocou,  Oscar acaba entrando num  balão e esse em um tornado que o afasta do poeirento Kansas  e o leva para a  vibrante Terra de Oz, onde  ele acha que tirou a sorte grande e que fama e fortuna o aguardam. Um mundo que expande seus horizontes trazendo à sua vida a companhia de três bruxas, um macaco alado e uma boneca de porcelana.  As  três bruxas Theodora (Mila Kunis), Evanora (Rachel Weisz) e Glinda (Michelle Williams), não estão convencidas de que ele é o grande mágico que todos estão esperando, Oscar por sua vez precisa descobrir quem é bom e quem é mau em meio aos problemas que a Terra de Oz e seus habitantes enfrentam. Aqui a jornada de nosso anti –herói não é apenas para que ele se transforme no grande “Mágico de Oz” mas também num  homem melhor.

Uma coisa legal do filme, é dessa vez temos a tecnologia do inicio do século XX vista como  magia em diversos momentos do filme e de quebra ainda temos Thomas Edison como  figura histórica  homenageada  dentro do contexto do filme. “Oz: Mágico e Poderoso”  segue os passos de Oscar Digg (James Franco), que é tipo um primo pobre e torto  dos mágicos ilusionistas do filme “O Grande Truque” (The Prestige, 2006 de Christopher Nolan). Diggs, também chamado de Oz é  um ilusionista arrogante, ganancioso, egoísta, mulherengo e trapaceiro  que se vê preso dentro de seu mundo fracassado entre uma apresentação e outra do side show do qual faz parte. 

Há que se elogiar todo o empenho, esforço e talento de James Franco, que surge ótimo como Oscar Diggs, mas nunca é capaz de transformar o personagem numa figura maior do que a própria história. O ator convence como um tipo insensível que maltrata o seu assistente e engana as mulheres e ganha a simpatia do público ao se transformar na esperança de um Reino na luta contra o Mal. James Franco está muito bem acompanhado de Zach Braff na voz do macaquinho Finley e das três bruxas, com Mila Kunis como a temperamental Theodora, Rachel Weisz como a venenosa  Evanora e Michelle Williams como a radiante e cândida Glinda.

Com as cenas iniciais, no Kansas, filmadas a preto e branco, remetem uma certa nostalgia em relação ao filme original, são tão lindas quanto a abertura. A experiência de transição entre a tela 4×3 em preto e brando para uma 16×9 saturada também merece destaque.  O 3D é utilizado de forma adequada a  um épico de fantasia para crianças  – abertamente, mas com habilidade em cenas com flocos de neve, caixas de música e misteriosos animais ou lanças que saltam através da tela em direção à plateia, não é um uso sutil, ou seja, é um deleite para as criancinhas. É como se fosse um filme antigo usando a tecnologia de hoje, com um quê  teatral.

E sejamos   sinceros, se você já viu uma  animação da Walt Disney, já viu todas, portanto, não espera mega viradas de roteiro ou grandes revelações, a estrutura do arco narrativo de "Oz – Mágico e Poderoso” é previsível e bobinho, mas ainda assim delicioso de ver. O filme é um  aperitivo pra quem  nunca viu o longa de 1939 e ou nunca leu o livro de 1900.  É uma ótima fantasia capaz  de  agradar crianças de todas as  idades, inclusive as adultas.

Cineclube do Nerd Riders Recomenda - filmes e séries pra te salvar tédio

The IT Crowd (2006-2010)

“The IT Crowd” conta a historia da Reynholm Industries pela visão do departamento de T.I. A equipe é composta por Roy e Moss, dois nerds com problemas de socialização. Eles trabalham no porão do prédio sem chefia alguma, até a chegada da nova gerente do setor, Jen, que mentiu muito em seu currículo alegando conhecer muito de computadores. Moss e Roy evitam qualquer tipo de trabalho e de início e não aceitam a idéia de serem chefiados por alguém que não tenha conhecimento algum em tecnologia. No fim das contas, ambos acabam se ajudando, tanto os geeks ensinando a nova chefe, como Jen ensinando os seus subordinados a serem sociáveis (ou quase).

Roy (Chris O'Dowd) é um irlandês de trinta e poucos anos, sem muito sucesso na carreira, antissocial e sempre a procura de um relacionamento. Já Moss (Richard Ayoade) é o gênio do trio e não possui a menor habilidade para lidar com os problemas da sua idade ou como conviver com outros adultos. Jen, não sabe nada de computação: “e -mail e internet” são as únicas palavras “tecnológicas” que ela conhece; ela acredita em qualquer baboseira que seus dois subordinados lhe falem.

Produzida pelo Channel 4, o seriado esteve no ar de 2006 a 2010 com refinado humor inglês ao mesmo tempo cru e surreal que muitas vezes beira a insanidade. Aqui não existem namoricos , encontros e desencontros de casais que nunca se resolvem e  não existe nenhuma história que se prolongue por mais de dois episódios, nenhuma lenga lenga. Uma série direta, ácida e hilária com situações mais que absurdas e vergonhosas. Cada temporada não chega a ter 10 episódios cada, de menos de 30 minutos cada um, ou seja, pequenas e concentradas doses de comédia

Have you tried turning it off and on again? 

* esse texto foi originalmente publicado no site da Video Session

Cineclube do Nerd Riders Recomenda - filmes e séries te salvar tédio

Wallander (2008)

Crimes chocantes e assassinatos aparentemente sem motivo levam a surpreendentes descobertas nesse policial com ares de filme noir. Baseado em livros do escritor sueco Henning Mankell, esta série inglesa é um  versão de uma série sueca que rendeu vinte e sete episódios. Até agora  foram produzidos nove episódios de uma hora e meia cada, sendo divididos em três temporadas exibidas pela BBC.

Kenneth Branagh é o detetive Kurt Wallander que vive na pequena cidade de Ystad na Suécia, onde precisa lidar com complexos casos de assassinatos. Wallander passa por uma fase pessoal difícil. Sua esposa o abandonou para viver com outro homem, seu relacionamento com a filha (Jeany Spark) é complicado, e  a relação com o pai (David Warner), um pintor excêntrico que sofre de Alzheimer, não é das melhores.

Os roteiros são bem elaborados, prendem a atenção não somente pelas investigações, mas também pelas questões pessoais do protagonista, que é um sujeito que tem dificuldades em demonstrar seus sentimentos, ao mesmo tempo em que se envolve emocionalmente com os casos que investiga. Dedicado e talentoso, Wallander não é super detetive cheio de insights bárbaros ou sacadas incríveis, ele é apenas um bom policial ou, antes, um bom homem, com virtudes, defeitos e eventuais momentos de falta de profissionalismo.

Filmados inteiramente na Suécia para se manter fiel à trama e com um elenco de primeira grandeza, Wallander  joga o espectador dentro da mente brilhante, sensível, falível e obsessiva, de seu personagem principal. Vencedor de cinco prêmios BAFTA, é uma das produções mais cuidadosas da dramaturgia da BBC nesta década.

*esse texto foi originalmente publicado no site da Video Session

"Cineclube do Nerd Riders Recomenda - filmes e séries pra te salvar tédio."

Perseguidor Implacável

Direção de Don Siegel

Perseguidor Implacável é um clássico do gênero policial. O detetive Harry "Dirty" Callahan é um ícone do cinema de ação. O filme de estreia da série Dirty Harry (que renderia outros quatro longas-metragens) sedimentou uma espécie de arquétipo do vingador urbano. É o personagem que consolidou a imagem do policial  solitário, de poucas palavras e muita ação,  durão e incorruptível, violento quando necessário, mas justo.

Personificação dos anseios de toda a sociedade, avô de Jack Bauer ou do Capitão Nascimento, ele não está preocupado com regras, está preocupado com justiça. E é isso que ele faz, o trabalho sujo que nenhum outro policial quer fazer. Por isso todos o chamam de Dirty (sujo) Harry.

A trama é simples: um psicopata mata pessoas até que o prefeito pague o dinheiro que ele pede. Em seu encalço está Harry, que arromba portas, bate em pessoas e até tortura o prisioneiro para conseguir o que quer. E consegue. E quando tudo o mais falha, ele vai fazer justiça nas horas vagas. Devido ao jeitão indomável, violento e às vezes preconceituoso, Dirty Harry foi alvo de criticas na época do lançamento, o que não impediu que ele se tornasse um sucesso. O filme tem um estilo realista quase documental, com grande destaque para a trilha sonora, toda em jazz. Além de ter inovado e de representar um grande sucesso na década de 70, o primeiro filme de Dirty Harry merece ser visto por trazer uma das melhores fases do ator Clint Eastwood no cinema.

*esse texto foi originalmente publicado no site Aventura de Ler

"Cineclube do Nerd Riders Recomenda - filmes e séries pra te salvar tédio."

Harley Davidson e Marlboro Man - Caçada Sem Tréguas

Direção: Simon Wincer (1991)

Harley Davidson e Marlboro Man é um desses filme de macho. Muita ação, pancadaria, perseguições e tiroteios num ritmo frenético. É nitroglicerina pura. E por isso mesmo é muito divertido. Na época, início dos anos 90, fez bastante sucesso, mas logo misturou-se a tantos outros filmes de ação, com tiros e perseguições impossíveis e ficou esquecido nas prateleiras de locadora e relegado às sessões noturnas da TV.

No entanto, se assistido com mais cuidado, veremos que o filme é mais do que isso. Ele apresenta elementos que aparecerão em obras icônicas do cinema: vilões com aspecto robótico e longos sobretudos pretos (genialmente blindados!), usados muito antes de Matrix; e referências clássicas, como tomadas que lembram os westerns de Sérgio Leone, e várias outras referentes à cultura pop, bem ao estilo Tarantino. Mistura de ação e comédia na medida certa, o filme é cheio das piadinhas espirituosas: vários personagens têm como nome marcas conhecidas, como Harley Davidson (motos), Marlboro (cigarros), Virginia Slim (cigarros) e Jack Daniels (whisky). O hard rock dá o tom da trilha, com destaque para Wanted Dead or Alive, a balada superpop do Bon Jovi.

Em Los Angeles, dois grandes companheiros, conhecidos como Harley Davidson (Mickey Rourke) e Marlboro (Don Johnson), ficam sabendo que um velho amigo vai perder seu bar, pois o banco quer construir um novo complexo e, para não ter seus planos atrapalhados, exige US$ 2,5 milhões para renovar o aluguel por 5 anos. Harley tem uma ideia "simples": assaltar o carro blindado do banco para conseguir o dinheiro. Eles realizam seu objetivo graças à perícia do grupo e uma boa dose de sorte, mas quando vão pegar o dinheiro descobrem que roubaram um carregamento de Sonho de Cristal, uma droga que vicia na hora e mata um em cada 7 usuários, pois atinge todo o sistema nervoso. Logo Harley, Marlboro e seus amigos começam a serem impiedosamente caçados pelos traficantes comandados por Chance Wilder (Tom Sizemore), que também administra o banco.

Tomando o espírito de Sem Destino, o enredo retoma a eterna história de Robin Hood, conseguindo surpreender muitas vezes, e mostra uma dupla de durões desajustados e de coração mole, cheios de princípios éticos contraditórios. Don Johnson e Mickey Rourke estão deliciosamente canastrões num filme despretensioso e simples, que iniciava uma era, anônima e visionariamente.

*esse texto foi originalmente publicado no site  Aventura de Ler.

Duro de Matar: Um bom dia para ir ao cinema e comer aquela pipoca.

John McClane está de volta... e não está sozinho!

Ontem, dia 22 de Fevereiro, assisti a estreia explosiva de "Duro de Matar: Um bom dia para Morrer", e como já estava super empolgado, me empolguei de vez, pois o filme superou as minhas espectatívas.

Infinitamente superior ao titulo anterior da franquia, Duro de Matar 4.0, o quinto filme chegou com tudo. Um filme muito mentiroso e com certeza os críticos vão falar mal e os fãs de John McClane como eu, vão amar com todas as forças.

A história começa bem fraca, na verdade, ela começa bastante confusa com uma trama que envolve o filho de John, Jack, em um assassinato na Rússia.

Há anos sem contato com o filho, McClane resolve ir para Moscow, passar suas "férias" em busca de notícias do filho, e não muito demora para que aconteça este encontro... Jack (Jai Coutney), está indo a julgamento, quando um grupo de terroristas ataca o prédio e John se vê mais uma vez em uma confusão sem tamanho com Russos.

O filme muda de figura e se torna uma espécie de Bourne/Bond, com direito a CIA, possivel desastre nuclear e muitos chavões de primeira. Mas isso não importa nem um pouco, o que importa, é ver o bom e velho McClane sair no tapa, meter bala, atravessar janelas, levar socos e mais socos, gargalhar epicamente, cair numa piscina duvidosa, capotar de carro, desviar de balas .50 disparadas por um helicoptero, pular da ponte com um carro e escorregar num tobogã... digamos que foi o filme mais completo em termos de ação de toda a série, quase ininterrupta e com direito a uma coisa inédita na franquia... uma super reviravolta mega inesperada e de cair o queixo.

A produção caprichou, o genero apelidado de "Buddy Cops", voltou ao maior estilo anos 1980, só que com tecnologia e efeitos de primeira.

O filme traz inúmeras referencias aos anteriores, nada que atrapalhe aquela pessoa que nunca ouviu falar de Duro de Matar, mas que no caso de fãs da série serão captados de forma bem interessante, podendo arrancar gargalhadas épicas. Uma bela referencia, é o toque de celular de John, a música "Ode to Joy" ( Hino à Alegria) que toca quando Hanz ( Alan Rickman) invade o cofre do Nakatomi, e outra muito boa, é um dado acontecimento que também remete a uma cena épica do primeiro filme que envolve Hanz novamente.

Outra grande acerto desta produção dirigida por John Moore, foram as referencias de John ao filho Jack, são detalhes pequenos, como comentários sobre a época de escola do menino, mais para mostrar que o mesmo não está ali porque foi inventado para o filme, os fãs da série já conhecem os filhos de McClane desde o primeiro filme.

Bruce Willis continua dando o ar cômico ao McClane, que todos nós gostamos e Jai Coutney, fez um bom personagem que em momento algum foi apagado e mostrou bem o que o DNA McCLane é capaz.

Acredito que fãs da franquia e fãs de filmes de ação, não terão o que reclamar do filme, o título é maravilhoso e fantástico. Espero que assistam e falem o que acharam do filme.

Agora vamos aguardar o sexto filme da franquia, pois pelo que tudo indica, irá acontecer mesmo.

Yippee ki yay motherfucker!

Marcados para morrer: ação com handcam, amizade verdadeira

O longa Marcados para Morrer (End of Watch, 2012) foi lançado em DVD há poucos dias, nós conferimos e adoramos. Conhecido pelo roteiro de Dia de Treinamento, David Ayer vem se revelando um nome interessante no gênero policial. Após dirigir Tempos de Violência e Os Reis da Rua, ele, agora, realiza um trabalho consistente. Marcados para Morrer conta uma história filmada com handcam, com bastante ação, personagens cativantes que mostram uma amizade verdadeira e uma trama intensa.

Taylor (Jake Gyllenhaal) e Zavala (Michael Peña) são dois amigos policiais de Los Angeles, que arriscam suas vidas todos os dias patrulhando os bairros mais perigosos da cidade. Após uma operação rotineira, os oficiais confiscam uma pequena quantia em dinheiro que pertencia a um traficante local. A apreensão faz com que os tiras se tornem alvo de um cartel. Os policiais também vivem momentos importantes em suas vidas pessoais. Taylor começa um relacionamento com a bela Janet (Anna Kendrick), enquanto que o parceiro está prestes a ter seu primeiro filho.

As atuações de Gyllenhaal (que aqui também atua como produtor executivo) e Peña são inspiradoras. Afinal, o que só vemos atualmente são policiais corruptos, que matam as pessoas as vezes sem motivos. No entanto, no longa, o que vimos é exatamente o contrário. Só policiais corretos, que atiram para se defender, querem justiça e no final do dia voltar para casa e ficar um pouco com seus entes queridos.

A história é contada praticamente como se fosse um reality show, muito parecido com o programa policial Cops. O filme mescla momentos de tensão, ação, descontração, romance e companheirismo. A tensão, no entanto, fica por conta do que acontece no final, pois já sabemos pelo próprio título que “vai dar merda” rs. Confiram o trailer:

Fogo contra fogo: o título parece ser mais interessante do que o filme

Você acredita que um bombeiro possa acabar sozinho com uma gangue barra pesada? Essa é a temática (quase que inacreditável) do filme Fogo contra Fogo (Fire with Fire, 2012) que estreou dia 8 de fevereiro no Brasil.

Nos EUA, o longa mal foi percebido, tendo saído direto para DVD. Acredito que o filme só foi lançado no Brasil (e agora, mesmo meses depois) por causa da participação do ator Bruce Willis, mega aguardado no país voltando ao papel de John MacLane em Duro de Matar 5, que estreará dia 22 de fevereiro. Porém, Willis em Fogo contra Fogo é um mero coadjuvante e nem participa das cenas de ação, que ficam mais por conta do casal principal Josh Duhamel (da franquia Transformers) e Rosario Dawson (Sin City). Destaque para a participação de 50 Cent como um traficante de armas que foi bem convincente. 

Jeremy Coleman (Duhamel) é um bombeiro que considera seus colegas como sua família. Um dia, ao entrar numa loja, ele presencia o assassinato do dono do local e de seu filho. Como única testemunha, ele é interrogado pelo detetive Mike Cella (Bruce Willis) e convencido a depor contra o autor dos disparos, o sociopata Neil Hagan (Vincent D'Onofrio). Cella tem motivos pessoais para capturar Hagan, já que no passado matou seu parceiro e a esposa dele. À espera do julgamento, Jeremy entra no programa de proteção à testemunha e, com isso, se muda para Nova Orleans. Só que Hagan está em seu encalço, para evitar que seja condenado e preso.

Até aí, a história parece muito normal. A segunda metade do filme é que surpreende ao mostrar Coleman numa corrida desenfreada para matar Hagan (D’Onofrio como vilão, por sinal, está ótimo) mesmo sem treinamento policial, atuando como um verdadeiro homem sem lei e que não tem nada a perder.

O filme é mediano, embora tenha boas cenas de ação e bem violentas. A sequência final considero arrastada e previsível (já que o mocinho bombeiro resgata a mocinha em um incêndio cujo fogo demorou e muito para se alastrar). E, embora o filme tenha apenas 90 minutos, a impressão que dá é que tinha bem mais...